승기 5년 전에 스냅을 처음 찍으면서 디제잉을 하는 모습을 광각 카메라로만 3년을 찍었어요. 대체로 야간에 찍었고, 3년 차때까지 2800여장을 혼자 찍어 나가면서 3년이 지났을 때 한 번 검수를 해봤거든요. 포트폴리오에 올릴만한 사진이 있나 봤는데 80여장이 나오는 거예요. AF만으로, 보정도 안 하고, 운이 좋게 정노출에 가닿는 텍스처의 사진을 보니 그 정도가 나왔어요. 그런데 제가 분명히 맞춰 찍은 것 같은데 목이 잘리거나, 손목이 잘리거나 하는 식으로 보이는 거예요. 어이가 없었던 게 3년차가 되어서야 뷰파인더 안의 검은 선까지만 찍힌다는 걸 알았던 거죠. 

재건 오히려 그런 사진들이 재밌었을 것 같아요.

민하 스냅이 근데 왜 좋으세요?

승기 생동감 있는 사진과 감정을 담는 데 계속 매달려 있는 것 같아요. 페스티벌이든 파티에서든 공연에서든 정말 찰나에 나타났다 사라지는데, 그 순간을 담으려는 시도들이 많이 실패되지만, 그게 담겨서 같이 보게 되었을 때. 

민하 이렇게 이야기를 들으니까 각자 성향이 너무 있는 것 같아요. 승기님은 스냅을 계속 찍으시잖아요. 그래서 그 버튼을 누른다는 장면이 저한테 계속 떠올랐거든요. 그리고 몇 년동안 80장을 건지고, 한 두장 건져도 괜찮다는 마음이 드신다는 게 정말 ‘찍는 행위’를 엄청 좋아하시고 거기서 몇 장을 포획해가는 느낌이 들었어요. 

승기 근데 실제로 현장에서 촬영을 할 때면 기본적으로 카메라를 이렇게 내리고 다녀요. 누군가에게 라이브 스냅의 덕목을 이야기해줄 수 있다면 천역덕스러워야 하는 것 같아요. 능청.

승기 요즘 제 벽은 입체감이에요. 파티나 여러 사람들이 있는 데서 사진을 찍다 보니까 뒤틀려있는 사진들이 너무 많아서요. 그 입체감 때문에 보정을 할 때나 사진을 찍을 때 고민을 많이 해요. 왜곡이나 입체감에 있어서 작업을 하실 때 어떻게 느끼시는지?

이서 사실 렌즈의 설계 때문에 발생하는 거라 장비를 바꿔야한다고 생각해요. 그런 것들이 눈에 거슬리기 시작하면 더 큰 판형 또는 대형 무브먼트가 가능한 대형 카메라까지 가야 그런 것들이 완벽하게 해소된다고 생각을 하고.. 저는 작업을 할 때 보통 공간을 담는 작업을 하거든요. 그런데 절대 광각을 안 써요. 끝까지 발줌을 하고, 표준 초점 거리에서 넘어가지 않으려고 표준 렌즈 하나로 작업을 할 때도 있고요. 눈에 보이는 그대로를 담기 위해서라면 그런 노력들이 필요하다고 생각해요. 그리고 현상, 스캔, 인화의 문제도 있는 것 같아요. 

민하 사진을 찍다보면 그런 한계가 좋아서 그것으로 결정할지, 아니면 해결할지를 안 헷갈려야 하는 것 같아요. 사진에서는 기계랑 현실이랑 저랑 작업을 하는 거니까 저도 모르게 타협을 하거나 한계점이 굉장히 많다고 느껴지는데, 저는 사진 하려면 진짜 똑똑하게 판단을 잘 해야 된다는 생각이 늘 들거든요. 이 카메라가 가진 한계를 어떻게 활용할건지. 

오늘 정말 인상 깊었던 건 다 너무 특징이 다른 카메라를 쓰시잖아요. 그래서 본인이 본인을 알고, 그 카메라를 알아서 같이 가는 그런 길에 대해서 고민해보는 건 좋은 것 같아요. 왜냐하면 저는 승기씨 이야기를 들으면서 왜곡을 오히려 좋아하실 수도 있다는 생각이 들었거든요. 스냅에서밖에 나올 수 없는 이상한 장면들을 좋아하는 걸 수도 있다는 생각이 들어서요. 

이서 저도 아까 인상 깊었던 게 목 잘리고, 손 잘렸던 사진 이야기 해주실 때 인상 깊었거든요. 그 카메라의 한계를 이용한 어떤 사진들이지 않았을까. 그게 오히려 진짜 나다운 사진일수도 있겠구나 생각했어요. 저도 할아버지가 바다 풍경을 장노출로 찍고 계실 때 저걸 왜 찍지라고 생각했는데 제가 지금 그런 작업을 하게 되어서, 진짜 너무너무 싫었던 게 제 이야기가 되기도 하고 제 감각이 되기도 하는 것 같아요. 

재건 저는 보도사진을 찍었을 때, 누가 봐도 주제가 뭔지 한 눈에 명확하게 들어오는 게 가장 중요하다고 배웠거든요. 그래서 그 때 강조하고 싶은 걸 왜곡을 극대화해서 찍기도 했거든요. 

민하 이렇게 얘기를 듣다 보니 각자가 찍은 사진들 궁금해졌어요. 이 카메라들로 뭘 그렇게 찍으시는지.